Dincolo de apele primei iubiri.
Cine ar îndrăzni să infirme că acest sentiment universal nu locuiește în sufletul și mintea cât de multă ființă gânditoare? În oricare dintre variabilele sau posibilele sale prezentări, ea a servit ca verb și predicat încă de la geneza ființei umane, prin urmare, a fost adunată și reprezentată de subiect în infinite moduri care se numesc: artă. Iată o întrebare: Ce formă de artă nu conține dragoste pentru realitate, pentru ficțiune, pentru utopic? Pictura pentru a reflecta frumusețea naturaleței, sculptura pentru a simboliza prolixitatea corpurilor, muzica pentru a interpreta puterea sunetelor, dansul pentru a lauda sincronia mișcărilor, scrisul pentru a digera fanteziile umanității. La fel și a șaptea artă, cea care atrage pe fiecare dintre aceștia, a avut și ea ocazia să intre în spălătorie. Conceput ca o imitație a realității, cinematograful a deschis porți poveștilor de orice fel, prezentând cerința a trei componente cheie (introducere, probleme și depășire) care sunt motivate vehement de pasiunea pentru producția audiovizuală și pentru viață. Fable concepute de oameni, cu oameni și pentru oameni. Ceea ce facem ne leagă ca societate, creează un spirit comunitar, toți supraviețuim în detrimentul celorlalți, și al celorlalți, este un lanț ciclic care ne unește și nu ne dăm seama, o vom face, când accelerarea materialistă necruțătoare și dominația ego-ului își relegă forțele compulsive înaintea iubirii. Unele filme ambițioase au vrut să reflecte acest lucru. Totuși, alte filme, și mai ambițioase, au decis să se aventureze pe căi parcurse, dar punând viziuni sincere, curat, real despre relații, de neimaginat în ochii celor fără speranță. Așa este cazul intimului Luca Guadagnino și cel mai recent film al său a avut premiera la ediția anterioară a Festivalului de Film de la Sundance, o poveste care emană dorință, dar și roade.
Adaptând una dintre cele mai emblematice cărți ale lui André Aciman, povestea ne invită la cele mai fierbinți zile ale verii anului 1983 în nordul Italiei, zile sufocante prin care Elio, un băiat american uimit de muzică și de istoria ei, călătorește leneș transcriind partituri și cochetând cu niste fete. Vacanțele sale monotone vor lua însă o întorsătură înaintea unei vizite neașteptate, care, fără măcar să-și imagineze, ar umple viața băiatului de culoare, plăcere și durere. Este vorba despre Oliver, un student educat care în căutarea doctoratului, stă la conacul de vară Perlman pentru a servi ca asistent tatălui lui Eliot, profesor specializat în cultura greco-romană. Odată cu trecerea nepăsătoare a zilelor, prietenia celor doi tineri se va întări fără control,
Există scenarii adaptate teribile, rele, regulate, admisibile, bune și excelente. Aceasta aparține acestei ultime categorii încăpățânate. Adaptarea lui Aciman nu este ușoară, aș spune că ar fi un material nefilmabil, și nu tocmai din punct de vedere vizual, în realitate, este greutatea narativă și emoțională care necesită o adaptare de încredere. Scriitorul american din „Opt nopți albe” a manifestat pe hârtie o deosebită delicatețe în descrierea situațiilor, utilizând limbajul și tehnica într-un mod atât de compact și funcțional încât cuvintele par să prindă viață în imagini, în imagini reale. Tocmai din acest motiv, scenariul lui James Ivory merită o recunoaștere de aur, pentru că, trebuind să fie la înălțimea viziunii autorului, nivelul de cerere a fost considerabil mai ridicat, însă aici nu a existat niciun risc. Plecând de la o matriță obișnuită, dar eficientă, povestea are o structură tradițională până la actul al treilea, pentru că rezoluția pare să ne readuce, ridicându-ne mai multe probleme, știind că astfel de dificultăți sunt mecanisme ale autorului de a reprezenta un adevăr de necontestat: viața reală nu. nu este un basm și nu va fi niciodată; cel puțin aici a fost o jumătate de oră. Sunt implantate în scenariu mai multe instrumente care demonstrează o schimbare radicală pentru genul romantic, pentru că, la fel ca „The Big Sick”, expune înflorirea unei relații într-un adevăr tangibil, adică în cadrul unei panorame în cel că ar putea trăi oricare dintre participanți, de vecini neprietenos, destine implacabile, dezamăgiri care se transformă în speranțe. De multe ori se termină într-un mod „realist”, dar să nu ne devansăm, si sa revenim la inceput. Povestea lui Elio este simplă, nu plată, este un băiat ca oricare altul, resemnat cu emoțiile și căldura caniculei din casa de vacanță a părinților; citind, jucandu-se, facend o baie in raul inghetat si pedaland pe aleile emblematice ale Mediteranei. Ceea ce este drăguț și important din punct de vedere formal la acest personaj vine odată cu apariția lui Oliver, deoarece el este cel care declanșează călătoria intimă pe care o vor întreprinde protagonistul și spectatorul. Din primele scene, tânărul se conectează cu publicul prin simplitatea, candoarea și austeritatea sa, este un adolescent care pur și simplu își trăiește vara, apoi eventual pe celălalt, și pe celălalt, și așa mai departe în același mod până este tipărit. în grupul de oameni care trăiesc să trăiască și să moară ca răspuns al destinului. Oliver este cheia unui abis necesar, deoarece nu înseamnă doar trezirea unei noi dimensiuni sexuale, ci și trezirea maturizării, acceptării, a durerii de a-l vedea pe persoana iubită fericită. Și este că vedem cum viața lui Eliot este reconstruită de fiecare dată când se află în compania lui Oliver într-un mod atât de obișnuit, dar frumos, încât înfățișează ceea ce mulți tineri pot trăi acum. Ivory nu se lasă mituit de superficialitatea sexuală sau de abordarea anodină a sodomiei, extrage din carte ceea ce este necesar pentru a ridica fiecare rând cu răbdare, încet dar cu un ritm orbitor care îl face pe spectator, indiferent de sex sau sexualitate. identitatea, se reflectă în dorințele de dragoste mortale ale acestei perechi de personaje, ne face complici într-o spirală spinoasă care se termină într-un punct concertant fantastic. Nu există catarsis complet pentru Eliot pentru că filmul nu reprezintă o experiență de epurare pentru nimeni, ceea ce își propune filmul este să arate vulnerabilitatea sentimentelor, indiferent de rasă, culoare sau aromă; suntem de neșters în fața pericolului, putem fi mereu vânători dar și pradă. În ceea ce îl privește pe Oliver, dintr-o perspectivă îndepărtată și destul de obiectivă, mulți l-ar identifica ca un personaj secundar și, deși este parțial, scriitorul știe foarte bine cum să acorde o importanță intriga grupului restrâns de actori care apare pe ecran, astfel încât acest lucru să nu se simtă ca o simplă adăugare, ca un instrument, este cineva vital pentru poveste, cineva care experimentează nu numai descoperiri sexuale, ci și emoționale, este o invenție tridimensională care își dorește să aibă o „dragoste de vară”, chiar dacă aceasta încalcă legile vieții sale. Până la urmă, mulți ar putea crede că Oliver are un final fericit, totuși, înainte de o privire mai acută și mai angajată, este pe deplin concluzionat și cu certitudine că nu este cazul, vor înțelege dacă vor analiza temeinic scena telefonului. conversația, nu bucuria și nici simplitatea denotă vocile lor, care s-au schimbat.
Mențiune specială primesc anumite scene care pur și simplu zgârie memorabilul. Imaginile reușesc să dobândească o poziție solidă în istorie, prin urmare, concepția și abordarea unora joacă un rol vital, realizând-o în moduri atât de diferite, dar puternice. De la fraze care iradiază vitalitate până la dialoguri care emană putere, fiecare moment construiește un pilon în plus pentru poveste, pentru că oricât de neînsemnată ar părea — pentru ochiul privitorului obișnuit sunt din belșug — ele păstrează un sens intrinsec corelat cu progresul. a intrigii. Am selectat unul și nu la întâmplare și îl are în rolurile principale pe Eliot și o piersică. Dar ce este perturbator și tulburător la un piersic, așa cum ar fi spus Oliver: (din latinescul malus cotonus, „măr de bumbac” —făcând aluzie la coaja fructului—)? Destul de. Cei care au văzut filmul vor înțelege imediat despre ce vorbesc și este că, deși pare că această scenă își găsește pur și simplu motivul de a fi în mania de a deranja publicul, nu este așa, mai degrabă sensul ei exprimă îndoieli și experimente care îi traversează capul lui Elio ca urmare a momentului de viață în care se află, această scenă insinuează alegerile lui Elio. Este un moment care, din curiozitatea sau stupefacția pe care o provoacă, mi s-a înregistrat în capul meu, și nu numai în al meu, de vreme ce este curios să scriu „piersică” în browser și să dau peste conținut legat de film. În mod curios, nu toate situațiile interesante au de-a face cu scenele sexuale îndrăznețe, pentru că deși în acest domeniu alunecă destul de bine, sunt acelea în care realitatea ne scuipă în față, în care ne vedem trecutul sau prezentul reflectat. Fără îndoială, o realizare intimă și importantă pentru scrierea de film adaptiv.
Actorial este o încântare, anticipată, prezisă. Timothée Chalamet este fenomenal întrucât Eliot, sinceritatea și fidelitatea pe care tânărul actor - care participă la două dintre filmele nominalizate la Premiile Academiei din acest an - le impregnează personajul extras din pagini sunt copleșitoare, impunându-se drept tânăra promisiune a momentului. , pentru că cu acea scenă finală ratifică un lăudabil tur de forță interpretativ. Fără îndoială că fără simplitatea și carisma lui naturală filmul nu ar fi la fel, într-adevăr, nu ar fi nimic, întrucât Chalamet este întregul film, prestația lui fură toate privirile, chiar și cele îndreptate către enormul — figurativ și la propriu— Armie Hammer. De-a lungul anilor, am văzut că Hammer, un interpret din California, a reușit să crească nivelul rolurilor pe care le preia, adică Nu a optat definitiv pentru roluri independente, de când mergând de la poveștile hiperactive ale lui Guy Ritchie a reușit să ajungă la ferocitatea narativă a lui Boots Riley. Cu Oliver se pare că actorul și-a propus o mare provocare, una care înseamnă transmutarea internă cu sensibilitate și complexitate morală. Hammer ar fi putut capta mult mai multă atenție dacă personajul său nu ar fi fost legat de acțiunile protagonistului, totuși, cu munca grozavă depusă, poți observa și o livrare îmbătătoare și chiar captivantă. Fără ezitare, chimia dintre acest duo de actori este copleșitoare și cu adevărat neașteptată, absolut nici una dintre scenele în care împart ecranul se simte sintetice, ridicole sau nefirești, nici cele în care predomină erotismul, fiecare parte este propulsată de angajamentul și talentul acestor actori pasionați, care, fără a fi neapărat homosexuali, fac un portret frumos și intim a ceea ce înseamnă iubirea, depășind bariere sau stigmate. De menționat munca fascinantă a părinților protagonistului, Amira Casar și Michael Stuhlbarg, mai ales cea a tatălui încă din ultima sa scenă, plină de înțelegere și putere, exprimă și conține aptitudini neobișnuite.
Un alt pilon fundamental, cu adevărat fundamental, se numește Luca Guadagnino. Dacă știm ceva despre cineastul sicilian, este că nu este zgârcit când vine vorba de povești de dragoste, cuvintele „frivol” sau „plastic” nu vor fi niciodată folosite ca adjective pentru a-i descrie poveștile. Nu degeaba regizorul s-a lăsat sedus de potențialul pe care îl poseda opera lui Aciman, a fost o mare oportunitate și mai mult decât un angajament față de munca sa, a fost o plăcere și o datorie față de pământul său, o promisiune care rezida în el. . Omul care a folosit-o pe mereu fabuloasa Tilda Swinton ca muză în proiecte precum „A Bigger Splash” sau „I Am Love” — în mod ciudat, nu colaborează în niciun fel cu această ocazie — a fost cel care a regizat și a ridicat ceea ce este adaptarea filmului „Call Me by Your Name”, reușește să echilibreze drama și comedia într-un mod atât de organic încât trecerea a două ore și douăsprezece minute să nu se simtă, percepția timpului este nulă datorită imersiunii umane și efective pe care regizorul ne-o oferă să o experimentăm din genericul de deschidere, acelea în care numele celor surprinzător de puțini implicați sunt desenate pe fotografii ale sculpturilor grecești și romane, în sunetul unor piese vibrante. Sensibilitatea și secretul cineastului fac din film o experiență de neînlocuit, pesimistă și minunată, profundă și amuzantă, gânditoare și ciudată; fără îndoială, cel mai bun film al regizorului și al genului din ultimii ani. acelea în care numele celor surprinzător de puțini implicați sunt desenate pe fotografii ale sculpturilor grecești și romane, în sunetul unor piese vibrante. Sensibilitatea și secretul cineastului fac din film o experiență de neînlocuit, pesimistă și minunată, profundă și amuzantă, gânditoare și ciudată; fără îndoială, cel mai bun film al regizorului și al genului din ultimii ani. acelea în care numele celor surprinzător de puțini implicați sunt desenate pe fotografii ale sculpturilor grecești și romane, în sunetul unor piese vibrante. Sensibilitatea și secretul cineastului fac din film o experiență de neînlocuit, pesimistă și minunată, profundă și amuzantă, gânditoare și ciudată; fără îndoială, cel mai bun film al regizorului și al genului din ultimii ani.
În lucrare predomină naturalismul și caracterul spectaculos al imaginilor, evident că mândria regizorului se denotă atunci când înregistrează în țara sa-mamă, întrucât acesta se bucură să lase camera într-o poziție statică chiar și mult după ce personajele au a părăsit cadrul. Culorile calme și distinse ale culturii italiene abundă, galbenul deschis al verii sau verdele trifoi al peisajelor naturale sunt percepute și savurate datorită privirii fine și comunicative a directorului de fotografiat thailandez Sayombhu Mukdeeprom și a întregului departament de artă și producție condus de Roberta Frederick. . Adoptând de regulă folosirea unei singure perechi de ochelari specifici, mai ales pentru cele mai frumoase pasaje din țară, echipa de creație împletește o lucrare îndrăzneață vizual și artistic unică, pentru că pe lângă dezvăluirea involuntară a unei culturi deja clasice, oferă imagini care exprimă mai mult decât cuvinte, adică introduc mesaje tacite, obligând privitorul să le codifice și să le aprecieze. Vizual nu este un film ușor, cu atât mai puțin îngrijit, adevărata frumusețe constă în lipsa de artificialitate, totul este răsunător de viu, conform frumuseții scrisului, propunând unghiuri și estompare constantă pentru a ateriza pe punctul focal de care are nevoie, un strategie inteligent funcțională; la fel, reușește să reprezinte acea aură intimă și relaxată a cărții, modificându-i minim conținutul, înfățișând povestea și scopurile ei cu o pricepere incomparabilă, o palmă pentru „Fifty Shades of Grey”, deși, fără punct de comparație. oferă imagini care exprimă mai mult decât cuvinte, adică introduc mesaje nerostite, obligând privitorul să le codifice și să le aprecieze. Vizual nu este un film ușor, cu atât mai puțin îngrijit, adevărata frumusețe constă în lipsa de artificialitate, totul este răsunător de viu, conform frumuseții scrisului, propunând unghiuri și estompare constantă pentru a ateriza pe punctul focal de care are nevoie, un strategie inteligent funcțională; la fel, reușește să reprezinte acea aură intimă și relaxată a cărții, modificându-i minim conținutul, înfățișând povestea și scopurile ei cu o pricepere incomparabilă, o palmă pentru „Fifty Shades of Grey”, deși, fără punct de comparație. oferă imagini care exprimă mai mult decât cuvinte, adică introduc mesaje nerostite, obligând privitorul să le codifice și să le aprecieze. Vizual nu este un film ușor, cu atât mai puțin îngrijit, adevărata frumusețe constă în lipsa de artificialitate, totul este răsunător de viu, conform frumuseții scrisului, propunând unghiuri și estompare constantă pentru a ateriza pe punctul focal de care are nevoie, un strategie inteligent funcțională; la fel, reușește să reprezinte acea aură intimă și relaxată a cărții, modificându-i minim conținutul, înfățișând povestea și scopurile ei cu o pricepere incomparabilă, o palmă pentru „Fifty Shades of Grey”, deși, fără punct de comparație. cu atât mai puțin verbosă, adevărata frumusețe constă în lipsa de artificialitate, totul este răsunător de viu, conform frumuseții scrisului, propunând unghiuri și estompare constantă pentru a se cocoța pe punctul focal de care are nevoie, o strategie inteligent funcțională; la fel, reușește să reprezinte acea aură intimă și relaxată a cărții, modificându-i minim conținutul, înfățișând povestea și scopurile ei cu o pricepere incomparabilă, o palmă pentru „Fifty Shades of Grey”, deși, fără punct de comparație. cu atât mai puțin verbosă, adevărata frumusețe constă în lipsa de artificialitate, totul este răsunător de viu, conform frumuseții scrisului, propunând unghiuri și estompare constantă pentru a se cocoța pe punctul focal de care are nevoie, o strategie inteligent funcțională; la fel, reușește să reprezinte acea aură intimă și relaxată a cărții, modificându-i minim conținutul, înfățișând povestea și scopurile ei cu o pricepere incomparabilă, o palmă pentru „Fifty Shades of Grey”, deși, fără punct de comparație.
La secțiunea muzicală se descurcă și el destul de bine, cu anomalia de a prezenta două compoziții captivante și complet premiate. În fiecare an, am coincis cu câștigătorul pentru cea mai bună melodie originală la Premiile Academiei, pentru că fără să mă gândesc la asta ajung să ascult iar și iar melodia memorabilă a unui anumit film. S-a întâmplat deja anul trecut cu „City of Stars” sau „Audition” din „La La Land”, acum, ceva ciudat se întâmplă din moment ce, deși „Mystery of Love” al lui Sufjan Stevens participă cu mari competiții din filmele Disney, Netflix și alte independente. studiouri, simt și cred că fie „Remember Me” din „Coco”, fie melodia fabuloasă din acest film ar trebui să ia acasă un mic om de aur. Ambele transmit vulnerabilitate și putere la același sunet, tristețe dar fericire, Aceste două melodii au un sens clar în momentul în care sunt plasate, făcându-și treaba într-un mod maiestuos. Una dintre cele mai frumoase, intime și speciale compoziții ale anului.
Personal, „Call Me by Your Name” ar putea fi „Brokeback Mountain” pentru o nouă generație și nu din cauza abordării sale realiste față de portretizarea bărbăției sau a importanței sentimentelor cuiva, ci din cauza vastității mesajelor (adevărurilor) care cu o poveste simplă, dar profundă cei responsabili vor să transmită și să genereze o schimbare.
„Call Me by Your Name” de Luca Guadagnino reînvie poveștile de dragoste gay în film printr-o majoritate uimitoare, condusă de o performanță terifiantă a lui Timothée Chalamet și de ochiul perspicace și extrem de personal al unui regizor, care îi tonifică filmografia, fiind unul dintre cele mai fidele și emoționante adaptări cinematografice ale secolului trecut, demonstrând că și atunci când ai o bază prestabilită, originalitatea, pasiunea și creativitatea în domeniul artistic sunt vitale pentru ca o producție să ajungă la un nivel mult mai ridicat decât se aștepta, iată un exemplu . Lăsând tabuurile în urmă, acest film este una dintre lucrările despre adolescenți în ceea ce privește trezirea și tratarea corectă a unei povești de dragoste homosexuale mai umane, magnetice și reale, pe care am văzut-o în scurta mea viață,